个人简历是一个重要的职业工具，它能够在求职过程中引起用人单位的兴趣。在职场中，一个恰当、得体的自我介绍可以给人留下深刻的印象，帮助你在人际交往中取得更好的结果。
钢琴演奏与教学研究篇一
[摘要]放松是钢琴演奏的基础，由于生理上的紧张而导致弹奏姿势不好、演奏时对乐曲的处理、表现、思路不明确以及对环境的变化不能很好的适应而过度紧张会影响到钢琴的演奏。
[关键词]钢琴放松理解体会练习
放松是钢琴训练的基础。如何在练习的过程中做放松呢?我认为有以下几点。
一、理解放松
放松不是技术，而是一种状态。在形式上，一般可分为静态放松和动态放松两种。静态放松是持续的放松，如熟睡时的状态;动态放松是瞬间的、局部的，是一种完整动作张弛的一个间歇，目的不是为了静止，而是为了“待动”。钢琴演奏中的放松就属于动态放松。
正确的放松可以理解为一种“积极休息”的状态，在所有可以不用力的时刻和所有可以不用力的身体部位，都处于毫不费力、非常舒服的状态，同时又可以随时转入行动的状态。这种放松是相对紧张而言的，是去掉多余力量而并非不用力。在进行某种弹奏技巧时，往往容易产生多余紧张，也就是与弹奏动作无关的别的肌肉的紧张;或者产生过度紧张，也就是与弹奏动作有关的`肌肉不适度的紧张，这在钢琴学习中是一种普遍现象。在技巧训练中强调放松就是要做到规范的触键动作，即相关肌肉的紧张和不相关肌肉的相对放松。
二、体会放松
体会是一种感受和实践。著名钢琴教育家周广仁教授曾这样形容:“手指好比在前线打仗的战士，必须要有畅通无阻的后方来支援。”这里说的“畅通无阻的后方”就是指从手腕到肩部，包括整个身体的上部都要放松。也就是从第一个支撑点指尖开始，到另一个支撑点接触琴凳的身体为止都应该保持自然松弛的状态，尤其是肩关节到腕关节处，任何一个部位出现了紧张状态，力量都不能畅通无阻。
任何形式的放松都是相对的，比如，手指的放松并不是不用力就能把手指支撑起来，手型的放松也不是指整个手掌软绵绵的趴在琴键上。在弹奏中没有绝对的放松也没有绝对的紧张。臂的放松:在做这个练习时，大部分学生会主动的拿起手，不能被动的让老师帮忙拿起。在松手坠落的时候，大多出现手臂悬在空中，没有“掉下去”的感觉。针对这一普遍现象，可以在提起时用“吸气”、落下去用“呼气”的感觉来协助体会放松。还可以向前附体90度，双臂向下自由摆动来体会双臂的放松。手腕的放松可以用下面的方法试一试:手指击键后按住琴键，让手腕做一些上下左右或旋转的动作。在练习手指放松的时候，可以将处于休息状态的自然弧度的手指置于桌面，然后抬指，随即又回复到休息的状态，循环往复的练习。
三、练习放松
紧张与放松的快速交替是钢琴演奏的基本原理，没有紧张，钢琴不能发声，没有放松，音色不能优美、演奏不能持久。关键是要去掉多余的动作和多余的“紧张”。比如弹和弦和八度时，紧张与放松的交替就体现的更明显:第一步是手指贴键的准备，是放松的状态;第二步是抬指、发力、触键;为了声音干净整齐，刹那的紧张是非常重要的;第三步是刹那的放松。可见这个过程正是“松”、“紧”、“松”的快速交替。
钢琴弹奏是从头到脚的全身运动，是全身各部位的高度配合。聆听是取得身体动作放松的关键。更重要的是演奏者在聆听时及时鉴别声音的质量，养成追求美好音色的敏锐感觉。
1.肩、肘、臂的放松
肩关节僵硬会引起背部酸痛，要达到手臂在键盘上左右移动，肩关节必须放松。教师只需要轻轻敲打学生肩膀，同时还要向学生讲述力量流通的路线。弱奏时控制音量的正确方法是:降低触键的速度、减少掌关节的爆发力，并不是小心翼翼的不敢下键;上行时将身体右倾、下行是将身体左倾，让身体调整到能使手臂自如活动。不要依靠耸起肩膀来腾出手臂活动的空间。
肘关节是上臂与前臂的连接枢纽，起着传递和调配力量的作用。练习中，可以让手指站在键盘上，将肘部像扇翅膀一样上下摆动，就可以获得放松。多练习抒情乐曲可以使肘关节放松。
手臂用力不恰当，容易造成手酸。首先，在放松的潜意识指挥下，手臂有意的去找放松的感觉。其次，通过远距离跳动来放松手臂，化解手臂的僵硬。
2.手腕、手指的放松
手腕是连接手掌和手臂的枢纽，是手臂力量传到指尖的控制阀，又是各种音色、奏法的关键，腕关节如果盲目用力，会使音色变得难听。做一些连音与跳音的对比练习可感受使用手腕力量的区别。跳音时利用轻微的手腕来完成手指触键，手腕的运动方向是上下的;连音时可以利用移动手腕的方法将力量传送到各个指尖来完成连奏，手腕的运动方向是左右的，有弧度的。
手指是钢琴弹奏最直接最敏感的部位，手指的动作也是瞬间的紧与立即的松。根据重音位置及音型调整手指的高度，即高指与低指两种不同触键技巧，可以用第一音高抬指的力度带出后面若干音。
3.练琴方法获得的放松
慢练:在初步体会放松或一种技巧没有熟练前，快速弹奏会使学生淡忘放松的感觉，只有反复的“慢练”，不断聆听放松带来的优美音色，才能使放松贯穿于整个弹奏过程。
精练:放松在一定程度上还受熟练程度的制约。一些生硬、紧张的动作，常会随着动作的逐渐协调即“精练”而自然消失。如音阶进行时的穿指动作，由慢到快的反复练习，就能做到放松自如、流畅连贯。
总之，放松是钢琴演奏的基础，也是关键。正确的学会放松是弹好钢琴的先决条件。在弹奏中不但要学会调整身体各部位肌肉的放松，做到有控制有支撑的放松，而且还要具备良好的心理素质，使之能适应不同的环境，从而演奏出好的音色与美的音乐。只有学会了放松，才有可能在钢琴演奏的领域中挥洒自如，得心应手。因为放松是走向钢琴演奏艺术殿堂的必由之路。
参考文献:
钢琴演奏与教学研究篇二
摘要:节奏是音乐的基础,音乐的脉搏,音乐的生命。在钢琴学习中必须从一开始到最后都明确强调,并尽最大的努力去培养、训练自己的节奏感,为钢琴学习和演奏奠定坚实的基础。
关键词:钢琴乐器之王音乐的脉搏音乐的生命钢琴演奏节奏感
钢琴被称为是现代乐器中无与伦比的乐器之王,它能够用仅有的88个琴键表达出人类所有的情感——欢乐、忧愁、哀伤、哭泣、沉思、庄严、诙谐……而要将情感正确完美地表达出来,节奏感是至关重要的一点。
一、节奏是音乐艺术的脉搏、音乐的生命
音乐的存在和进行,首先就在于节奏的作用。节奏在音乐中就像生命存在于每时每刻中,就像我们的脉搏每时每刻都要在跳动一样,节奏的脉搏每时每刻都贯穿在音乐之中。流行音乐由于讲究效果,在演奏时常加入很多打击乐器,在每小节重怕时,低音鼓浓重地打出了节奏重音,表现非常有规律的节奏使听众很容易便被这种节奏所感染,而这也是它通俗性的表现。而严肃音乐节奏的表现方式就不可能像流行音乐那么外在,所以往往容易在某种程度和某些方面被忽略,而使音乐感受能力稍差的人,由于感觉不到节奏的律动而无法感受音乐的存在和进行,更别提进一步地理解和享受音乐的艺术美了。音乐的节奏不可能像机器那样纹丝不动,一首奏鸣曲,一个乐章内虽有一个基本速度,但在欢快时,也许稍稍加快了一点,抒情的地方也许要稍稍放慢一些,但是基本速度不能变,从整体感觉上速度必须是统一的,这样乐曲才能完整。由此可见,节奏是音乐构成中的重要部分,在音乐表现中具有重要意义。
二、节奏在钢琴演奏中的重要地位
钢琴演奏是音乐艺术的主要表现形式之一,它利用手指及全身心弹奏钢琴来表现音乐形象,用钢琴音乐语言来倾诉心声,使演奏成为有灵魂的'活的富有情感的表演。而音乐感觉本身具有一定的抽象性,容易意会,不易言明。必需通过节奏和声音两个具体的要素来加以体现。因此,节奏问题在钢琴演奏中具有极其重要的作用。在我们的练琴和演奏中,由于通常没有其余的节奏乐器如鼓等来伴奏,节奏的体现全靠弹奏着的良好训练和感觉去体现出来,由此节奏感的强调就显得至关重要。
三、如何来培养节奏感
(一)培养正确、良好的节奏感首先要做的是使“步伐”整齐——即搞清拍子、数准拍子、统一速度。要做到节拍准确,必须做到熟练掌握各种常用的拍子;养成正确数拍子、打拍子的习惯;保持稳定的速度数拍子,并按正确的节拍练琴。对于钢琴学习者来说,一个大项是音阶、琶音及其他练习曲,另一个大项是乐曲、复调曲、奏鸣曲等。这两个大项都要求节奏的统一、稳定,所以数好拍子,弹稳拍子,是一项最基本的要求。
(二)培养节奏感必须做到突出节奏的律动。例如:贝多芬“悲怆”奏鸣曲第一乐章的快板部分。左手有大段的每小节八个音的分解八度震音,弹奏时在保证节奏稳定均匀的基础上,在每小节第一个音上加适当重音,作为节奏支点和发动力,随后的七个音比第一个略轻但均匀流动。以这组有规律的分组和感觉,连续演奏下去,配合右手坚定奋进的旋律和表情起伏,形成一种不屈不挠的决心和气势给听者一种精神力量,并有不可阻挡之感。
(三)注意节奏的呼吸。人的说话、唱歌都要呼吸,钢琴演奏也一样。我们常说弹琴像唱歌那样委婉动听,那么,呼吸理所当然十分重要。
(四)突出节奏的特性。根据音乐的特点强调不同的节奏点或某些有特点的节奏。比如在圆舞曲中第一怕与第二拍之间比较紧,而将宽出来的时间放到第二拍与第三排之间;或者有的乐曲可以将附点节奏略靠后些,使其更有风格或活力等,这些特点在我们演奏中如果掌握的好,也将会加强音乐表现力。
节奏是音乐的基础,音乐的脉搏,音乐的生命,我们在钢琴学习中必须从一开始到最后都明确强调,并尽最大的努力去培养、训练自己的节奏感觉,为我们的钢琴学习奠定坚实的基础,为能在音乐殿堂中领略更美好的风光做好充分准备。
钢琴演奏与教学研究篇三
摘要：本文从听觉能力、知觉能力、感受能力三个层面分析音乐表现力的组成要素，重点探讨钢琴音乐教学中音乐表现力的培养途径，即加强钢琴作品内涵背景分析、引导学生掌握正确的钢琴演奏技巧、注重对学生钢琴音乐听觉能力培养、开展内容丰富的音乐艺术实践活动、全面提高学生钢琴音乐的综合素养。旨在通过本文研究为高校钢琴专业一线教育者提供一定的借鉴，不断提高高校钢琴教学水平，达到提升培养学生音乐表现力的目的。
关键词：高校；钢琴教学；音乐表现力
培养钢琴教学是高校音乐艺术课程体系的重要组成部分，对学生音乐素养的提升、艺术表现力的强化、综合能力的培养具有极为重要的现实意义。纵观当前高校钢琴教学的现状来看，某些教师为了完成既定教学目标，缺乏对钢琴音乐作品内涵的深层次挖掘，忽视对学生音乐表现力的培养，进而影响学生钢琴演奏素养的根本性提升，难以将钢琴音乐的精髓呈现给受众。因此，在钢琴教学中加强对学生音乐表现力的培养则显得极为必要。对此，本文以浅谈钢琴教学中音乐表现力的培养为题，对其相关内容作出简要分析与着重探讨。
一、音乐表现力的组成要素
音乐具有独特性，若想进一步提高自身的音乐表现力则需要明确音乐的基本要素，学会弹奏音乐的技巧，借助精湛恰当的手法将自身的思想情感融入其中，从而彰显音乐的独特魅力。也就是说，若想实现音乐表现效果的最大化，则需要通过听觉、知觉、情感三方面的充分调动与有机结合，才可以发挥出音乐的表现力。具体来说，音乐表现力的组成要素主要可以归纳为以下三方面：
（一）听觉能力
敏锐的听觉能力是理解音乐情感、感受作者内心世界的重要方式，在演奏的基础上用心聆听自己的演奏声音。因此，在钢琴学习过程中要将听力训练放在首位，利于倾听音乐基础之上深入理解音乐内涵，从而感受整体的音乐效果，进而强化音乐的表现力。同时，在钢琴音乐作品倾听时，在停留自我演奏音乐的基础上，还需要善于从中发现自己的不足之处，保持注意力的高度集中，最大限度发挥自身想象力，弹奏出表现效果最大的钢琴音乐作品。由此可见，声音的艺术表现以音乐为主要形式，需要借助耳朵听力功能的发挥得以实现，学生自身钢琴表现能力的提升更是需要建立在倾听的基础之上。
（二）知觉能力
音乐的知觉能力属于心理情感范畴，与学生自身的内心活动紧密联系。因此，在钢琴演奏过程中若想实现表现效果的最大化，则需要精准客观的判断音响，在较高音乐素养的指导之下根据自身的独特体验强化对钢琴音乐的表现，从而了解钢琴作品的情绪、性质、弹奏速度、感情基调等，并将此看作是彰显整个钢琴音乐作品风格的路径之一。音乐旋律的形成是建立在音符基础之上，通过有序的排列组合，在演奏者力度、音色等行为活动的表现之下达到以情动人的效果，促使倾听者走进钢琴作品作者的灵魂深处。
（三）感受能力
感受能力是个体理解音乐作品的一种形式，是个体音乐审美素养的重要表现，是建立在理解、感受钢琴音乐作品的基础之上。钢琴音乐作品是创作者将自身思想情感融入其中的成果载体，通过表现长存于人的心灵深入，且经典的音乐作品总是代代相传、历久弥新。因此，在音乐表现力的培养过程中则需要将表现与再现相融合，将钢琴音乐作品放置在特定的时空内，立足于精神思想层面与钢琴音乐作品进行对话。
二、钢琴教学中音乐表现力的培养途径
（一）加强钢琴作品内涵背景分析
在高校钢琴音乐教学过程中，教师要在素质教育精神的引领之下，透彻理解钢琴音乐表现力的内涵及组成要素，树立以生为本的教育教学理念，根据学生身心发展的客观诉求制定有针对性的教学方案，加强对钢琴音乐作品创作背景、思想情感、内涵主旨等方面的全方位分析，为学生音乐表现力的培养创设更为广阔的空间。对此，教师要明确自身的钢琴音乐教学活动中的角色，对钢琴音乐作品的内涵、创作背景进行深入透彻的分析，引导学生了解作曲家的风格特征、生平经历，以便精准把握钢琴作品的真情实感及深刻内涵。例如，浪漫时期与古典时期的钢琴作品风格截然不同，不同作曲家的风格又具备独特性，这就需要学生了解各个时期作曲家的思想生活、创作特色，从而准确的把握钢琴作品风格。
（二）引导学生掌握正确的钢琴演奏技巧
在高校钢琴音乐教学过程中，教师要在以生为本教育教学理念的指导之下，将钢琴音乐课堂教学的主导权交到学生手中，彰显学生在高校钢琴音乐教学中的主体性，将音乐表现力培养纳入人才培养目标体系之中，结合钢琴教学规律、学生身心发展规律实施科学有效的教学策略，引导学生掌握正确的钢琴演奏技巧，提升学生的钢琴演奏艺术素养。因此，在钢琴演奏中学生要加强对手指的技巧训练，弹奏时动作要干净利落、迅速准确，确保手指技巧与其他演奏技巧处于有效衔接的状态。同时，在弹奏力度的把握方面要将全身的力量送达到之间，将一时之力凝聚在钢琴演奏的整个环节当中。此外，要加强对乐谱的分析，重视乐谱上音符、节拍、力度记号等表示，指导学生体验钢琴作品内容，将钢琴作品的风格、旋律、节奏恰如其分的表现出来。
（三）注重对学生钢琴音乐听觉能力培养
在高校钢琴音乐教学过程中，教师要明确学生音乐表现力的培养并不是靠单纯的模仿得以实现的，而是要在钢琴音乐作品处理中不断提高学生的听觉能力，并将听觉能力的培养看作是学生获得表现力的基础环节，为学生音乐表现能力的培养提供必要保障。对此，高校钢琴教师要有意识、有目的地培养学生善于倾听的良好习惯，指导学生在练习演奏过程中善于倾听自己的演奏声音，实现手、耳、心三者的高度配合，根据自己所发现的问题及时调整钢琴演奏声音，以便确保自己所演奏的声音符合钢琴音乐内容的具体要求，不断提高钢琴练习的效率与质量。同时，学生要善于聆听一些经典的钢琴音乐作品，在渊博的音乐世界中汲取养分，不断提高自身的钢琴音乐听觉能力，强化学生的钢琴音乐感受力，更好的表现钢琴艺术价值。
（四）开展内容丰富的音乐艺术实践活动
在高校钢琴音乐教学过程中，教师要在为学生讲解钢琴演奏理论知识的同时，还需要开展内容丰富、形式多样的音乐艺术实践活动，为学生钢琴音乐表现能力的培养提供必要的训练环境，不断遵循并落实教育的客观规律，最大限度地调动学生钢琴演奏的主动性和积极性，在实践演练当中逐步提高学生的`钢琴音乐表现力。一方面，在钢琴音乐教学中教师要于课堂活动中为学生讲解基础乐理知识，在课外开展各类型的钢琴艺术活动，大力开发第二课堂教学资源，鼓励学生根据自己的兴趣爱好自发成立乐队，积极参加各类文艺汇演、工艺演出等活动，逐步走入社区、走入社会，将钢琴音乐理论知识上升到实践演奏层面，不断提高学生的艺术修养。另一方面，高校要为学生提供表现性较强的舞台实践机会，以大型文艺汇演为主，不断丰富学生的舞台表演经验，提高学生的心理素质，确保学生可以以从容镇定的心态面对钢琴演奏中的突发情况，以平常心或者超水平发挥的状态为观众带来全新的音乐享受。
（五）全面提高学生钢琴音乐的综合素养
在高校钢琴音乐教学过程中，教师要明确培养提升学生音乐表现能力是一个长期、反复的过程，在培养学生听觉能力、知觉能力的同时，还需要加强对学生创造能力、想象能力、心理素质、舞台表现能力等方面的全面强化，提高学生钢琴音乐的综合素养，使得学生在掌握钢琴演奏理论的基础上通过演奏更好的传递钢琴音乐作品内涵。对此，钢琴教师要鼓励学生多多阅读书籍，如文学、历史、文学等领域的书籍，不断增强学生的文化底蕴，扩展学生的认知视野，使得学生具备较高的思想修养与艺术修养，加深对钢琴音乐作品的理解，更好地表现钢琴音乐作品内涵，强化钢琴演奏艺术效果。
三、结语
综上所述，在钢琴教学中教师要在素质教育精神的引领之下，透彻理解音乐表现力的内涵及组成要素，树立以生为本的教育教学理念，根据学生身心发展的客观诉求，结合音乐艺术专业人才培养目标设置有针对性的钢琴教学方案，探索钢琴教学规律、学生学习规律，加强对钢琴音乐作品内涵背景的分析，采取科学合理的有效教学策略，引导学生掌握正确的钢琴演奏技巧，将钢琴练习、技巧训练、理解升华、表现力培养等方面紧密联系，注重对学生钢琴音乐听觉能力的培养，积极开展内容丰富、形式多样的音乐艺术实践活动，全面提高学生钢琴音乐综合素养，使得学生的钢琴表现力发展到一个全新的阶段，最大限度的彰显钢琴演奏的独特魅力。
参考文献：
[4]魏敏.聚合思维在钢琴教学中诠释作品的应用———钢琴教学中音乐表现力的培养[j].黄河之声,2017,(11):84.
钢琴演奏与教学研究篇四
音乐是情感性艺术，而小学生对音乐的感受、理解往往需要借助情境，通过具体生动的形象和美妙动听的声音引起学生的内心共鸣，在轻松愉快的氛围中获得知识。运用多媒体进行音乐教学，能有效地激发学生的音乐学习兴趣，启迪学生的智慧，陶冶学生的情操，培养学生创造力。同时在优化音乐课堂教学，增强音乐教学效果方面也显示出其独有的优势。多媒体教学的合理运用能使学生更好地理解音乐，表现音乐，创造音乐，从中受到艺术的熏陶、行为美的教育。
1 激情营氛，提高学生兴趣
现今学生对于直观、形象、感染力强的客观事物的兴趣比较浓，有好奇心，并且乐于接受。
论文百事通“兴趣是最好的老师”，兴趣对学习产生的影响，远远超过教师的督促和简单的说教。现代信息技术中的多媒体教学软件恰恰会满足他们的这种兴趣，并且能适应他们理性思维不强、学习的持久力弱的特点，尽可能地让学生的听觉、视觉乃至感觉全部都调动起来，根据教学内容多媒体课件能将歌词、旋律、图像等直观地展示出来，为学生提供生动逼真的教学情境、丰富多彩的教学资源，为学生营造一个色彩缤纷、声像同步、能动能静的教学情景，从而激发学生的学习兴趣，把学生在音乐课堂上的审美体验推向高潮。
《那达慕之歌》是一首蒙古族风格的少儿歌曲，教师在教学中可利用“超级解霸”软件，把有关蒙古大草原、那达慕盛会等风情录入硬盘。在导入时，先让学生听腾格尔的《天堂》，当熟悉的音乐一放出，学生就知道到了草原，然后问学生去过蒙古没有？你知道的蒙古都有什么？想不想亲自去感受一番？然后点击鼠标，放映画面，一望无际的草原景色呈现在学生眼前，强大的视觉效果立即吸引了学生的注意力，他们仿佛也进入辽阔的草原，也参与了那达慕的盛会，以极大的热情投入到学习中。特别是在教授最后的难点乐句，用不同的速度演唱会出现不同的效果。根据学生演唱的速度（快、慢），多媒体展示草原上奔马的速度，给学生以直观形象的画面。其中歌唱速度给歌曲情绪带来的效果自然而然地展现，让学生边唱边感受，营造一个如临其境的环境，使学生仿佛置身大草原中，达到理想的教学效果。
2 集中精力，提高学习效率
音乐是听觉的艺术。旋律的高低、音准的准确、节奏的把握都需要学生高度地集中精力去倾听和学唱，而运用多媒体丰富的音响效果，能辨别音的高低、长短、强弱，能知道自己或别人唱得是否正确，从而提高学唱歌曲的课堂效率。
例如，歌曲《小乌鸦爱妈妈》是一首两声部的合唱歌曲。对于两声部的歌曲学生很容易随着主声部的音调走调，所以基本学生都厌唱，并且学的时间长了精力极度不集中。为了让学生在学唱时做到集中精力，可以将高低声部用不同颜色显示在屏幕上，并且用“音频解霸”分别录制两个声部的伴奏。学唱时，轮到哪个声部就播放那个声部的伴奏，并且将歌曲中的渐强、渐弱等速度记号设置成“移动播放”，从而提醒和帮助学生，更快更好地学唱歌曲。最后，在合唱时，还可以配上动画mtv，指导学生看着画面，有感情地演唱歌曲，从中感受小乌鸦对妈妈的爱心。本来声部的和谐准确性很难，但是学生在生动的多媒体的运用下精力高度集中，学唱的欲望迫切，本来是学生没有兴趣的、很难掌握的二声部歌曲在很短的时间内学会，提高了课堂效率。
另外，根据日常教学情况，欣赏课很容易使学生失去兴趣而使注意力不集中，从而达不到预期的教学目的，但是如果合理运用多媒体会提高课堂效率。
3 直观形象，突破教学难点
音乐教学中乐理知识的学习、难点旋律的演唱、各种记号的运用等，如果仅仅通过简单的口头传授和示范，大部分学生难以接受，也不能把歌曲的意境很好地表达，所以多媒体教学在解决难点问题、突出重点知识方面也起到举足轻重的作用。教学中，以静态方式存在的教学材料，通过多媒体的手段可恢复其鲜活的面目，变得有声有色。cai动态图像演示利用其文字的闪现、图形的缩放与移动、颜色的变换等手段，引导学生动脑思考，形成准确的内心节奏，把难懂的知识通过媒体直观的辅助用最快的速度在大脑中清晰地记忆下来。
例如，欣赏曲《草原巡逻兵》的主旋律，让学生会记住并且会哼唱靠单纯的教授难以达到。为了让学生在听赏的过程中自然地在大脑中留下印象，可以在每一次主旋律出现的时候将旋律显示在屏幕上，一只活泼的小马图像在音符的上面根据节奏的长短跳跃闪现着，学生跟着小马有节奏地唱着主旋律。这样唤起学生的注意力，视、听、唱紧密结合，听赏两遍，难点主旋律学生已经很好地掌握，既解决了难点，又有利于学生的识谱视唱能力的提高。
再如教授学生认识反复跳跃记号时，由于这个知识点在低年级出现，根据低年级学生的特点——形象思维占优势并且注意力多与兴趣和情感有关，可以设计小兔拔萝卜唱歌的情景，当第二次反复去拔萝卜唱歌时，小兔跳过房子1接唱房子2的拔萝卜歌曲。这样一个相对于低年级学生有难度的知识点，在形象的图画展示下很容易掌握并接受。还有很多歌曲中的音乐记号、难点节奏等学生不易掌握，都可以用闪现、移动、颜色变换、放大显示等方法来教学，使学生手、脑、口、眼并用，从而提高教学效率。
4 丰富想象，激发创造能力
音乐欣赏感受是创造性的思维活动，它对触发灵感、启迪智慧有着重要的作用。科学家爱因斯坦说过：“想象力比知识更重要，因为知识是有限的，而想象力概括着世界上的一切，并且是知识进化的源泉。”想象力和创造力是审美思维过程最基本的品质，在音乐教学中培养学生的艺术想象美，对发展学生个性和智慧，促进创造性思维是十分可贵的。多媒体教学有声有形的情景优势所创设的音乐意境，不仅能发展学生的艺术思维和欣赏能力，更能有效地促进学生的想象美。
方面感受春天的喜悦心情，并能自编简单的动作和歌词。在上这堂课时，笔者将春天的视频录像设置成多媒体课件，让学生一进课堂就被风和日丽、莺歌燕舞、山清水秀的大自然清新艳丽的景色所吸引，把他们带入悠然自得、心旷神怡的审美意境之中。接着多媒体动画呈现红花、小黄鹂鸟、小溪流等在高兴欢唱“春天来了”的景象，学生欢快的情绪很快被调动起来，嘴里不停地说出春天里会唱歌的其他事物，并且情不自禁地随着音乐旋律表现春天里欢乐舒畅的动作情景。然后，让学生进行人机交互，轻点鼠标选择自己喜爱的“美丽的春天”中的一景，通过目视、耳听、口唱、体动等多个信息渠道自主学习歌曲，并进行歌词的创编，让学生在充分的欣赏、想象、创造中体会春天的喜悦心情。多媒体的合理运用不仅培养了学生创造美的能力，更为重要的是活跃了他们的思维，充分发展了他们的聪明才智。
科技的发展、进步需要教师不断更新传统的观念和思维模式。这个时代以信息传播为特征，以创造性决定成败，教师的思想也要不断适应新时代的变化和需要。著名音乐家贝多芬说：“音乐是比一切智慧、一切哲学更高的启示。”实践使笔者深刻认识到多媒体技术在音乐教学的运用，能够收到很好的教学效果。它可以创设情境，调动学生积极性；直观形象，化难为易，提高学习效率；促进思维发散，发展学生创造美的能力。
然而多媒体音乐不能完全取代传统的教学手段，不能对传统的教学手段全盘否定和排斥，而应该吧现代教育技术手段与教师的引导启发和学生的实践活动相结合。多媒体教学只是一个辅助手段，教师应该根据教学实际多种教学手段协调互补，才能更好地优化音乐课堂和教学。
钢琴演奏与教学研究篇五
笔者从事高中音乐教学工作已十余载，在此期间经历了新课程的改革，从《音乐欣赏》到《音乐鉴赏》，从“传统的讲授为主”到“生本教育”，从教材内容到教学理念、教学方式，都在不断变化与发展着。在近几年的教学工作中，笔者越来越感到音乐教育在促进人的发展和推动社会进步方面，有着不可替代的作用，而对音乐的感悟、表现和创造，是人类的一种基本素质和能力。从山东省的高考能力题来看，考查的即是考生对音乐的体验与感受能力，但仅在高中阶段注重培养学生的这种素质和能力，毕竟不是一件容易的事情。如何培养学生的音乐素养、提高学生的审美能力呢?作为一名音乐教育工作者， 要引导学生积极感受音乐世界的美好，每天都以积极、欣喜的态度发现生活中的美丽，努力挖掘学生的音乐潜质，激活学生身体中的音乐元素。
一、了解学生眼中的音乐
笔者认为，音乐教育的第一件事情就是要了解学生眼中的音乐。高中学生，身心发展趋于成熟，内心极其渴望情感的表达和体验，而时下流行的善于表达情感又温婉好听的流行歌曲正好对应了中学生现阶段的口味，也就不难理解，为何我们的学生耳朵里听的、嘴里哼的都是流行歌曲，为何他们头脑当中“音乐”的概念就等同于流行歌曲。
音乐不只是流行歌曲、通俗音乐，音乐课程标准中明确指出：“音乐是人类文化的表现和象征，是表达人们的思想感情、反映社会生活的一种艺术。”学生不了解音乐，有其自身的原因，但其背后深刻的社会原因，不得不引发每一个音乐教育工作者的思考。我们是否给学生提供了学习音乐、感受音乐的环境和条件?学生的基础教育中是否渗透了音乐教育?带着这一系列的问题，在新学期之初我给学生了布置了“课下搜集关于音乐的资料，并展示给大家”这样一个课前作业。课堂上，同学们的展示让我震撼，他们纷纷抖出了自己的收获，从《诗经》、《汉乐府》到唐朝的《霓裳羽衣舞》再到交响乐《命运》以及流行歌曲《双截棍》，全面而深入，他们用自己的方式初步感知了音乐，对音乐有了初步的了解，摒弃了原来对音乐的片面了解，奠定了高中音乐教学的基础。兴趣是最好的老师，在学生初步了解音乐的基础上，音乐教育就可以着手培养学生对音乐的爱好和兴趣，从而引导学生一步一步地走进音乐、理解音乐。
二、挖掘学生的音乐潜质
每一个学生的心中都有一座音乐圣殿，只在于我们如何开启它的大门。我所任教的高中是一所普通高中，大部分学生来自农村。
高一新生入学，在上第一节音乐鉴赏课之前，我心存顾虑：学生们以前接触过音乐吗?程度如何?城区的初中学校会比乡村的音乐教育开展得好一些吗?学生们的音乐基础会不会相差很大?……顾虑很多，也很难解决，但时间不等人，马上就要开课的，于是我抛弃了所有的杂念，心中只有一个声音：音乐语言是世界通用的语言。
为了避免第一节课出现“尴尬、冷堂”的现象，在课堂上，我引导学生们从儿时的记忆开始搜索，有的同学哼起了《两只老虎》、《歌声与微笑》，有的同学想起了《我和你》等等，还有很多时下流行的网络歌曲，大家畅所欲言、蠢蠢欲动。我趁热打铁给学生播放了教材所选用的作品摇篮曲《槟榔树下摇网床》和柴可夫斯基的《第六悲怆交响》。在听摇篮曲时，我引导学生通过观看图片和想象联想的方法感受音乐情景，并和学生一起通过身体律动体验歌曲中有规律的摇摆的节奏。在听交响曲时，我又引导学生通过联系作品的创作背景去感受音乐中的内涵。在这个过程中，没有过多的语言解释，只有对音乐的感受。于是我有了新的认识：我们的学生不懂音乐吗?不!音乐和他们的心灵是相通的，他们乐于陶醉其中，接受音乐的洗礼。在接下来的教学中，每一堂课我都带领学生领略不同的音乐风情，要么是纯朴的民歌风，要么是异域的舞蹈风情，甚至是抽象的十二音……我们的学生是热情的，对生活和学习是充满信心和向往的，他们渴望了解更多的音乐和文化，从而不断地充实自己，使自己成为一个更加有修养的人。
三、拨动学生审美的心弦
春天繁盛，夏天葱笼，秋天斑斓，冬天纯净，这是大自然的变化之美，但也会常常因为我们的“熟视”而不被发现。万物静观皆自得，只有懂得欣赏的人，才能感悟到它的美。我们要培养学生的审美能力，就必须对学生进行音乐教育。音乐课程的基本理念就是要以音乐审美为核心，提高学生的审美能力。这是一个知识积累的过程，是在潜移默化中完成的，在这个过程中，老师的任务就是循序渐进地引导，来不得半点急躁，也没有捷径可循。
音乐首先是声音的艺术，但我们往往只停留在声音的表面而无法进行深入的思考与探索。在课堂中我也发现了这样的问题，学生只是从音乐中获得了感官上的愉悦，而不能理性地认识音乐、分析音乐。学生的音乐语言是匮乏的，眼神是空洞的，他们害怕表达、不会表述。怎么办?疑惑、迷茫、着急……于是，我找学生谈话、了解情况，然后我走到学生中间去，和他们一起听音乐、说音乐，一起讨论，把自己作为学生中的一员，站在他们的起跑线上。在教学中我营造氛围、播放音乐，学生从非洲鼓乐中感觉到了节奏的变化，从《茉莉花》中感受到了民族音乐元素的魅力，从贝多芬的《命运》交响乐中感受到了织体变化给我们带来的震撼。
门德尔松说：音乐可以用比语言好得多的千百种因素来充实一个人的灵魂。我们的社会在不断进步，对个人素质的要求也在不断提高，这给我们教育工作者施加了更大的压力。未来社会需要的是全面发展的人，普通高中音乐课程的基本任务，就是要提高每个学生的音乐素养，使学生各方面的潜能得到开发，并通过音乐艺术实践活动增强学生的信心，培养良好的团队意识与合作精神。
钢琴演奏与教学研究篇六
摘要：情感体验——聆听音乐——体态律动——听音视唱——演唱演奏——创作，乃是一个循环往复、循序渐进的教学结构模式，每一周期都使学习者迁移到一个新的音乐能力发展层次。在这一模式中，学习者的音乐情感能得到自然的发展。在与大量优秀音乐作品的接触与交往中，音乐能力也能得到提高。更重要的是，在整个学习过程中，学习者始终处在主体地位，能够因为对音乐积极自觉地参与而使自己成为一个具有良好的音乐感受能力与创造性意识的人。
关键词：音乐教学 音乐感受能力 创造性意识
一、音乐的情绪体验
音乐的情绪体验是一切音乐能力发展的前提。让儿童接触音乐之前，必须有一个让学生体验自然情绪的阶段，诗意的朗诵，带感情地讲故事，都是发展自觉性音乐能力的条件，这些艺术性的活动都是与自觉性音乐能力最接近，或者说是最相通的。当孩子有了表现情绪的强烈愿望时才开始让他们接触声音，告诉他们，声音可以用来表现自己的情感。当我们快乐的时候，高亢明快、节奏活泼跳跃的声音可以表现我们愉快的情绪；当我们忧伤的时候，低沉阴暗、节奏缓慢的声音可以表达我们伤感的情绪。表达情感的声音，我们称它为音乐。音乐还可以模仿雷声、鸟叫、小溪流水等大自然美妙的音响。当孩子们有了这种认识之后，再告诉他们，音乐是他们生活中最亲密的朋友，可以借助极其丰富的音乐来倾诉内心的快乐和忧伤。经过这个阶段之后就可以开始接触音乐了。
二、聆听音乐
有了真实情感与音乐的联系，就可以进入聆听音乐的教学了。最初聆听的音乐，必须是具有鲜明情感选择性的音乐作品，这样才能在学生刚接触音乐时，即对音乐情绪具有敏锐的感觉能力。但聆听的音乐作品必须是完整或相对完整的，哪怕就是一段很小的片段。
因为人们在掌握一定的视唱能力，或掌握一定的演唱、演奏技能之前是无法完整地表现音乐的整体形象的，但人们却能够在聆听音乐中完整地感受音乐。这种感受能力甚至在清晰的听觉表象形成之前，就已存在于人的心理能力结构之中了。当然最初的音乐感受力是很模糊很粗糙的。但聆听音乐所产生的对音乐感受的整体性却是音乐整体能力结构发展的关键。因此许多成功的教学方法都把学会聆听音乐作为发展音乐能力的第一步。
三、体态律动
体态律动正是在真实的情感体验和正确聆听音乐的基础上产生出来的。作为聆听音乐者主动参与音乐的第一个最自然的行为表现，体态律动在学习音乐过程中有着十分重要的地位。虽然说体态律动在音乐运动觉发展过程中处于一个非常初级的阶段，但音乐心理学家认为，正是“在音乐教学的初级阶段上，未必可以找到比节律学更直接、更有效的发展音乐节奏感的其他途径，这里，节律学被理解为以简单的，儿童容易做到的运动表达音乐节奏”。
体态律动的基础仅仅是人在生理水平上对音乐音响的反应，这些反应包含对旋律线条上升下降、节拍、节奏变化，肌体紧张松弛的本能感受，然而基本的音乐情绪在这一水平上已开始模糊地感受到了。音乐作品不是作曲家随意编造的，它从本质上说是作曲家情绪体验的外化形式，每一部优秀的音乐作品都是一个完整的精神生命，一种情感的表现形态，体态律动促使人在聆听音乐的过程中深入到音乐情绪体验之中。体态律动亦可以是对音乐作品非常高水平的反应形势，犹如一个指挥家用准确简练的动作把握了整部交响乐。体态律动并不是取代听觉训练，但它极大地强化了聆听音乐的.自觉意识，为音乐听觉发展打下了良好的基础。
四、听音与视唱
这一阶段一般又称为视唱练耳，并结合着必要的乐理知识教学。在音乐学习过程中是没有纯粹的知觉的，知觉必须和感觉结合在一起，听觉表象必须和调式感结合在一起。这一阶段的任务是培养进行音乐表演、欣赏及创作等各种音乐活动所必需的音乐听觉能力。孩子们开始学着用自然的嗓音来再现他们听到或看到的音乐形象。音乐心理学家认为，为了使儿童最初的音乐听觉表象能在良好的调式感基础上建立起来就必须从听唱，或视唱完整的旋律开始，哪怕是最简单的旋律片段，也应包含调式上从稳定音到不稳定音再到稳定音这样一个体现“松弛——紧张——松弛”的音乐性过程，从而体验最基本的情绪变化。音程的学习，也应该放到完整的调式旋律中去把握。唯有这样做，听觉表象能力才能建立在良好的调式感之上。音乐听觉能力的发展是一个非常复杂的过程，能够表现音乐情绪的形式也是极其丰富的，例如音色、节奏变化等，但在通过音高关系变化来表现音乐的范畴中，调式感始终是一个重要的核心。
五、演唱、演奏
有了聆听音乐与体态律动的基础，有了最初步的、建立在调式感基础上的听觉表象能力，就可以开始发展学生的演唱、演奏能力了。演唱、演奏是运动觉的高层次能力。演唱、演奏都需要高技巧的运动觉能力，它是细致、灵敏的局部机能运动。例如演唱的喉头、声带、气息运动，弹奏钢琴的手指、手臂运动，这些能力是在一定的技能训练中才能获得的。但这种技能的训练必须是在儿童具有初步的音乐感受能力，具有通过音乐来表现自己情感的强烈愿望之后才能开始，而器乐的学习还应在演唱的学习之后，必须在学生已经有了“通过乐器来歌唱”的愿望产生之后。
从运动机理看，演唱、演奏的运动觉能力是高水平、高难度的，而从音乐感受的心理机制看，演唱、演奏的肌体运动又是局部的、低层次的，它必须服从表演者对音乐的整体感受，服从因音乐整体感受产生的肌体紧张状态的变化。当局部的紧张状态在演唱演奏过程中占主导地位时，这种音乐表演是缺乏表现力的。因此，在演唱、演奏训练中，首先要求学习者学会肌体的放松与心理上的积极状态。
六、音乐创造
音乐创造是高层次的音乐能力。狭义的音乐创造及音乐创作是指具有创造性的创作者运用想象力对大脑记忆的音乐材料进行新的组织和创造，产生出新的音乐形象。广义的音乐创造还包括演唱、演奏等一系列包含着学习者运用想象力参与的音乐活动。因此，演唱、演奏往往被称为是对音乐作品的“二度创作”。无论哪一种意义的音乐创造，实质上都是人运用音乐想象力的行为和结果。可见在一切音乐活动中，在一切音乐情绪体验中，人的想象力都是不可缺少的。
任何一种音乐能力，都是在音乐感受能力基础上发展起来的，音乐感受能力，即音乐的情绪体验能力。音乐教育从根本上说是艺术的、审美的教育，而不是一种纯粹的技能训练。音乐情绪体验是引发受教育者对音乐产生兴趣和热情的关键，也是音乐技能发展的原动力并直接构成音乐能力的核心部分。
钢琴演奏与教学研究篇七
音乐是通过声音来表达思想感情的，它不是一般物理学上所说的音响，在钢琴演奏与教学中对于声音的表现力而言必须有严格的要求和系统的训练。
声音，孤立地讲，无所谓正确与错误之分，但在音乐里，它必须同作品的内容和作品风格相适应。如舒伯特钢琴作品的内容就和声乐作品有很大联系，因此，弹奏舒伯特的作品就要注重歌唱性、抒情性等特点。而演奏拉赫玛尼诺夫的作品却需要演奏者善于运用浑厚、悠长的气息,从而体现出俄罗斯式的富有厚度的歌唱性。再如弹奏“印象派”作品所要求的声音则完全是另外一种色彩，臂力的运用应非常谨慎，而且要反应非常灵敏，对于声音的感觉应非常敏感，手指触键也应非常的细腻。总之，离开了作品的内容和风格来讨论声音的绝对标准就变得很荒谬了，也就不可能真正表达作品的思想内容。因此，在钢琴教学或演奏中要想真正解决声音即音色问题,必须全面的提高演奏者本人的音乐素养，培养自身对声音的想象力，进而依靠听觉，通过相应的弹奏方法找到一种适当的、符合作品要求的音色来。
钢琴的音色一方面与弹奏方法或弹奏技术有很大的联系,不同的弹奏方法和触键方法就会产生不同的声音色彩;另一方面与演奏者的听觉也有很大的联系，因为听觉是辨别音色的得力助手。那么，怎样才能弹出好的声音呢?笔者认为应从以下两个方面努力：
一、听觉方面。
首先是内心听觉上,意即观念意识、想象追求上。弹奏者一定要有一个好的声音目标，并有追求这一目标的强烈愿望，声音是否在改进，改进多少，都要靠听觉的积极工作与否。
其次，引导学生正确认识和理解作品，并仔细倾听自己的演奏，从刻画音乐形象和表现作品的思想感情出发，去寻找优美的音色和音质，这一点也是十分重要的。在弹奏过程中，想依靠单纯动作模仿或测量所用力量大小或依靠理论分析去解决音乐中的表现力是绝对不可能的。在舞台上，演奏者需要全神贯注地倾听自己的演奏，在整个教学的训练过程中，也必须自始至终地对学生进行严格的听觉培养，尤其是在演奏艺术性很强的作品时，必须依靠高度的“艺术听觉”去掌握音乐表现中的“分寸感”，即便是在单纯的手指训练中，如果没有良好的听觉去鉴别、检验音色，演奏者也会白白浪费时间，甚至还可能养成一些不好的习惯。这一切都必须依靠演奏者无论是在演奏中还是在教学中都必须认真、严格的对待才能较准确地把握作品。
第三,多声部的训练。钢琴是为多声部所设计的乐器，她的表现力非常丰富，它可表现相当于一个交响乐队的效果。这方面的基础训练应注意以下几点：
〈一〉、必须让每个声部都听得清楚，包括每个声部的进行、和弦的每个音以及旋律和伴奏织体的线条轮廓都要力求清晰。
〈二〉、主次要分明。就是说,各声部都要有自己的特定地位。如：旋律和伴奏、伴奏中低音进行及和声、和声进行中高音及其它声部等等，它们的地位各不相同，必须首先保证旋律的主导方向,在演奏中若不分主次或喧宾夺主都会使作品的表现力大打折扣。
〈三〉、音色要有区别。根据各声部不同的性质、不同的地位，除了要有强弱差别以外，音色上的差别也是不容忽视的。例如抒情性旋律的和声伴奏，就要求演奏者一定要把旋律弹得如歌，低音音色浓厚，而中声部的和声一般是柔和的，但和声进行又要明确、有起伏，使它们能为旋律的进行起到良好的衬托作用。
二、技术方面。
正确的触键技术包括合理运用身体重量、合理选择主要动作部位、正确处理触键和放松的关系等等，这些都为弹奏出好的声音提供保证。下面，我们就从这几个方面来讨论一下关于触键的问题。
第一、要善于协调运用身体的各项机能。要恰当地运用两臂自然下垂的重量，把身体和手臂的重量传达到手指尖上去，千万不要让手臂、肘部和手腕等部位保留力量，只有全身非常放松，并根据音色的'要求，适当运用重量，使指尖和键盘保持密切的关系，做到了这些，演奏者才能真正弹奏出所需要的音色来。
第二、手腕在弹奏中起着承上启下的关键作用。它是手臂传递重量的载体,又对演奏位置起着重要的调节作用。因此，手腕要有高度的适应性，切忌僵硬、紧张，但也不能忽视手腕所特有的张力。在弹奏歌唱性旋律时手指可贴近键盘，手腕要保持平稳、有弹性。当然，不同的音色对手腕也提出不同的要求，在教学与演奏中一定要灵活运用。
第三、指触的变化是音色变化的决定因素。指触意即在手指触键时，根据不同的声音要求有不同的触觉，即用多大的力量、多快的速度触键以及触键面积的大小。比如要演奏明亮、透明、颗粒性强的声音，指触速度就要求快，弹完后马上将力量松开，手指略弯曲，触键面可略小。而若想要坚实、有爆发力的声音，就要下键有力、反弹力强；如果要求声音浓厚、圆润、歌唱性强，除了使用手指力量外，手掌、手臂乃至身体的重量都要运用上去。但是，对于弹奏慢速、深情如歌的旋律，当力量由一个手指向另一个手指移动时，手指触键面可略大，也可平些；如果需要微弱的声音，就要用尽量少的重量，同时全身放松在触键时使手指组织有续，并稍微有向外提起的感觉。总之，不同的声音要求运用不同的指触方法来弹奏，演奏者要根据听觉和作品的需要用心体会，切不可死搬教条。
在钢琴演奏的审美听觉与演奏技术两者的关系中，听觉是主导方面，用来指明目标，而技术则是手段。目标越明确，技术运用也就越恰当。一般来说，有正确的弹奏技术就会有好的音色，当然，好的音色是有很多种的，只有最贴近作品内容与思想感情的才是最美的音色。因此，无论是从事钢琴教学还是钢琴演奏，追求钢琴音色的脚步一刻也不能停止，只有这样，才能较好地发挥钢琴的表现力、较好地表达作品的思想感情，从而打动听众。
钢琴演奏与教学研究篇八
所谓音乐思维,指的是人脑在受到音乐及与音乐有关的事物刺激时所产生的一种心理活动,这是一种对音乐及其相关事物认识、感知、思索的过程。在钢琴演奏中,演奏者需要对演奏作品进行感知与理解,以在此基础上配合肢体的动作来控制所有的琴键,使弹奏时的力度和速度都恰到好处,从而将跳动的音乐变成优美的乐曲。由此可见,音乐思维在钢琴演奏中的作用是不容忽视的,演奏者的钢琴演奏过程也必须有音乐思维的融入。
一、音乐思维在钢琴演奏中的作用
1、音乐思维有利于演奏者对演奏作品的认识与理解
每一首钢琴曲都是作者在音乐思维的引导下创作的,体现着作者的个性、情感与风格等,并且不同体裁、不同时期、不同背景下创作的作品都会有所不同,钢琴演奏者要想在演奏中表现出作品的内涵,就必须先对作品进行整体把握,进而才能深入体会作品的特点。此外,结构形式作为音乐思维的一种,其在钢琴演奏中的作用是举足轻重的。演奏者只有对所演奏作品的整体结构有了大致的了解,才能从总体上把握住作品的曲风,并在此基础上对作品中的细节内容进行分析与了解,进而深入理解与认识整个作品。因此,我们可以认为在钢琴演奏中,音乐思维的过程就是加深对作品的理解与认识的过程,音乐思维有利于演奏者对演奏作品的认识与理解。
2、音乐思维有利于演奏者演奏情感的体现
钢琴演奏的目的不仅仅是用琴音来再现优美的乐曲,更重要的是利用琴音来体现出作品中蕴含的情感,而情感这种心理活动的体现又需要以音乐思维为契机。说到钢琴演奏中音乐思维在作品情感中的体现,最主要的一个表现就是演奏者在对作品有一定的了解与把握后通过对作品所描绘意境的想象,与作者产生情感上的共鸣,最后根据自己的理解将作品演绎出来,从而使作品中的情感得到再度释放。
例如,贺绿汀的钢琴曲《摇篮曲》所烘托的是一种安静、祥和的氛围,其乐曲的表现就犹如有人在轻声哼唱一般,使人的身心得到放松。钢琴演奏者在演奏这一作品时,便可想象一位母亲坐在摇篮边,轻拍着宝宝、哼唱着催眠曲哄宝宝入睡的景象。置身其中,最大的感觉便是轻,于是在形象与情感形成的音乐思维中,演奏者将弹奏的力度进行了有效控制,使整个作品的情感得到了再现。
二、在音乐演奏中组织音乐思维的策略
1、加强作品中音乐形象的理解
音乐所要表现的情感、内涵等一般是以特定的社会背景和特定的人或物为前提的条件下而形成的,并且这一情感、内涵的表现往往需要音乐形象的介入,如英勇无比的人物形象、宏伟壮观的景物形象等等。演奏者只有对所演奏作品中的音乐形象有了一定的了解,才能对所演奏的作品有更好地把握,音乐思维也才能更连续、完整,演奏出的乐曲才不会显得空洞。
对于演奏者而言,对音乐形象的理解是一个不断积累的过程。在实践中,为了把握住音乐形象的特点,演奏者需要对作品的创作背景以及作者的情感、性格、经历等有较为全面的了解,并能在此基础上对作品中的音乐形象进行分析。此外,演奏者还可以对音乐作品所要表达的形象进行大胆想象,并结合作品中的主要因素找到最符合作品所要表达的思想内容,在想象与探索发现的过程中使自己的音乐思维得到锻炼。
2、培养连贯、完整的音乐思维
在钢琴演奏的过程中,音乐思维是随着音乐而变化的,而音乐思维又决定着音乐的表现形式。只有演奏者的音乐思维连贯、完整了,其所演奏的乐曲的情感、内涵等才能被流畅、真实地表现出来。然而,在实际演奏中,很多人会有思维跟不上音乐变化的现象,尤其是演奏者在弹奏多段落、多结构的长乐曲时,这种现象变得更加明显。而导致这一现象的主要原因就是在演奏者对作品中的音乐形象进行构建时,演奏者的音乐思维存在了诸多的不确定和不稳定因素,并且作品的结构、情感等变化的越快,这些不确定因素对演奏者音乐思维的影响就越大。因此,为了提升作品的表现力,钢琴演奏者在平时应注重自身连贯、完整的音乐思维的培养。
在进行音乐思维培养时,如果钢琴作品所要表达的情感与内涵是特定不变的,那么演奏者的音乐思维便可一直停留在这一内容上,音乐思维自然就连贯了;而对于多变且变化快的钢琴作品,钢琴演奏者多研究、多练习才是解决音乐思维不连贯的最佳策略。
3、准确把握演奏技巧
在钢琴演奏过程中,演奏技巧对整体的演奏效果有着极其重要的影响,尤其是在演奏出现问题时,演奏者的情绪必将受到影响,并且由此变得过分重视演奏技术问题,而忽视了对音乐思维的组织,使演奏的作品显得空洞、缺乏感染力。因此,在钢琴演奏中音乐思维的组织需要演奏者对演奏技巧的准确把握。
正所谓“台上一分钟,台下十年功”,高超的钢琴演奏技巧是演奏者在平时不断磨练的结果,为了弹奏好一部作品,演奏者在平时需要不断重复练习,发现并改正弹奏中的不足,解决好每一个技术点,争取在台上表演时能“游刃有余”,实现完美演绎。
三、结语
音乐思维在钢琴演奏中有着重要的作用,演奏者对演奏作品的理解与认识以及演奏作品的情感体现都离不开音乐思维的引导,缺少了音乐思维的演奏者所演奏的乐曲必然是空洞、缺少感染力的。在钢琴演奏中,音乐思维的组织不仅需要演奏者有着丰富的音乐常识,能够清楚理解和把握作品中的音乐形象,而且需要演奏者有着熟练的演奏技巧,为演奏作品的完美演绎创造有利条件。